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Alors que sa grand-mère est atteinte de la maladie d’Alzheimer, la réalisatrice interroge son grand-père sur les zones d’ombre de l’histoire familiale. Un vibrant témoignage intime.&nbsp;&nbsp;Brigitte s’est mariée avec Bernard en 1956. Lorsqu’on a diagnostiqué chez elle les débuts de la maladie d’Alzheimer, il s’est promis de toujours veiller sur elle. Malgré son grand âge et les soucis que lui cause la santé précaire de son épouse, Bernard s’accroche à sa promesse… Blessures enfouies Depuis qu’elle est enfant, Juliette Thomas Brunet, l’une des petites-filles de Brigitte et Bernard, aime passer du temps avec eux, et, depuis ses 12 ans, les filmer, dans leur appartement parisien ou leur résidence secondaire à la campagne. Les mots prononcés pour un autre et les comportements imprévisibles de celle qu’elle surnomme affectueusement "Nanny" – en facétieuse octogénaire frappée par la maladie, Brigitte cache les objets, siffle l’apéritif au goulot ou débarrasse les fleurs du jardin de leurs bourgeons – sonnent pour Juliette comme une dernière chance d’en apprendre davantage sur le couple formé par ses grands-parents et les zones d’ombre de leur histoire familiale. Entremêlant avec délicatesse les images de films tournés en Super-8 depuis les années 1960 par "Daddy", son alerte grand-père, celles prises par Gilles, son père mort l’année de ses 20 ans, et les siennes au fil des ans, Juliette Thomas Brunet interroge la mémoire de Bernard, nonagénaire devenu un infatigable aidant. Au travers d’un demi-siècle d’histoire d’une famille française de la classe moyenne, des souvenirs d’un bonheur enfui et des blessures enfouies, un vibrant témoignage intime qui touche à l’universel.&nbsp;

Jusqu'à ce que la mémoire nous sépare

En 1874, Monet, Renoir, Degas et leurs camarades organisent leur première exposition collective en toute indépendance. Redonnant vie à ces jeunes peintres dressés contre l’académisme de leur époque, ce documentaire-fiction retrace l’avènement de la révolution impressionniste, en marge d’une exposition au musée d’Orsay.&nbsp;En 1862, Claude Monet, jeune caricaturiste converti à la peinture de paysage par Eugène Boudin, débarque à Paris pour parfaire sa formation. Dans l’atelier de Charles Gleyre, l’indocile se lie d’amitié avec Alfred Sisley, Auguste Renoir et Frédéric Bazille. À une époque où le Salon officiel – qui n’expose que les œuvres adoubées par l’Académie des beaux-arts – constitue la principale voie de réussite, l’organisation du Salon des refusés, en 1863, éveille l’espoir du quatuor. Une œuvre au goût de scandale, en particulier, suscite leur admiration : Le bain (Le déjeuner sur l’herbe) d’Édouard Manet. Comme eux, Camille Pissarro, Edgar Degas, Berthe Morisot ou encore Paul Cézanne tentent de tracer leur sillon entre paysages croqués en plein air et scènes réalistes de la vie moderne. Tous vont être tour à tour refusés par le Salon, à l’image du provocateur Cézanne, systématiquement recalé des cimaises officielles. En 1869, ils se rassemblent derrière Manet dans le groupe dit "des Batignolles", fructueux choc de tempéraments et de styles, et envisagent de monter une exposition indépendante. Mais la guerre franco-prussienne, qui emporte Bazille en novembre 1870, puis la Commune de Paris stoppent leur élan. Il faudra attendre le 15 avril 1874 pour que le projet voie enfin le jour. Dans les anciens studios du photographe Nadar, au 35, boulevard des Capucines, une trentaine d’artistes présentent leurs réalisations, dont un grand nombre sont aujourd’hui considérées comme des chefs-d’œuvre. Détourné par un critique dédaigneux, le titre de l’un de ces tableaux, Impression, soleil levant, de Monet, donnera finalement son nom à une révolution picturale majeure. Portrait de groupe Cent cinquante ans après cette exposition fondatrice, dont on découvre ici une fascinante reconstitution inédite en 3D, Julien Johan et Hugues Nancy remontent aux prémices de cette incroyable aventure artistique et humaine, née dans une période de grandes mutations. Mêlées à de riches archives documentaires qui éclairent ce contexte historique, des scènes de fiction formidablement vivantes et élégantes, fondées sur leurs écrits, permettent d’approcher au plus près la vie et l’œuvre des "inventeurs"&nbsp;de l’impressionnisme. De leurs ateliers aux paysages qu’ils ont si splendidement transcrits sur la toile, ces séquences les croquent dans leur jeunesse assoiffée d’indépendance, en faisant la part belle à la personnalité et aux expérimentations de chacun. Une immersion dans l’une des pages les plus éblouissantes de l’histoire de l’art.

1874, la naissance de l'impressionnisme

Mohandas Gandhi, icône planétaire, s'est imposé comme l'un des leaders de la non-violence et le symbole de l’indépendance de l’Inde. Quelles ont été les stratégies de Gandhi pour incarner cette lutte ? Comment a-t-il fait de son propre corps (qu'il n'hésita pas à mettre en scène et en danger au travers de grèves de la faim) et de son image les armes majeures d’une guerre de communication mondiale, en Inde, en Europe et jusqu’aux États-Unis ? Enquête sur ce qui perdure aujourd’hui du mythe Gandhi, ce qu’il continue à inspirer, ses échecs et la façon dont, finalement, il a été trahi.

Gandhi, de l'homme à l'icône

Avec ses toiles d’où jaillissent couleurs et émotions pures, Joan Mitchell a marqué la peinture abstraite américaine. Ce beau portrait explore l’œuvre d’une artiste qui a tracé un pont entre l’Amérique et la France, l’abstraction et l’impressionnisme.Née en 1925 à Chicago dans une famille aisée, Joan Mitchell forge sa sensibilité artistique auprès d’une mère poétesse atteinte de surdité. Au tournant des années 1950, l’ancienne étudiante en arts, revenue d’un séjour déterminant en France sur les traces des maîtres de la modernité, rompt définitivement avec la figuration et se fait une place au sein de la bouillonnante avant-garde new-yorkaise, dans les rangs des expressionnistes abstraits (Jackson Pollock, Willem De Kooning…). Après une longue période entre deux rives, l’artiste se fixe en 1959 à Paris, où elle retrouve le peintre québécois Jean Paul Riopelle. Si le déracinement libère son geste, il mine aussi un temps la carrière de cette femme difficile d’accès, dont l’armure dissimule une peur de l’abandon. Momentanément passée de mode, éprouvée par une succession de deuils (ses parents, son ami poète Frank O’Hara) qui assombrissent sa palette, Joan Mitchell trouve refuge, à partir de 1967, à Vétheuil. Dans ce village du Vexin où vécut Monet et où son jardin couvert de tournesols la connecte à Van Gogh, celle qui se refusait à théoriser son œuvre ("Tous ces blabla détruisent tout") se nourrit des paysages alentour, figeant sur la toile les sentiments que lui a procurés la nature, tandis que les chagrins qui jalonnent son existence (rupture, décès, maladie) se transforment, sous son pinceau, en créations foisonnantes. Intimité créative Dans ce beau portrait, Stéphane Ghez (Oskar Kokoschka – Portraits européens, Xenakis révolution – Le bâtisseur du son) fait dialoguer archives, souvenirs d’amis (l’écrivain Paul Auster, la compositrice Gisèle Barreau, qui fut son assistante) et décryptages d’œuvres par des conservatrices (Sarah Roberts, du San Francisco Museum of Modern Art, Katy Siegel, du Baltimore Museum of Art…) pour retracer la trajectoire unique de Joan Mitchell. En marge de l’hommage que lui rend la Fondation Louis-Vuitton, une plongée passionnante dans l’intimité et le processus de création de cette immense artiste, disparue il y a trente ans.

Joan Mitchell - Une femme dans l'abstraction

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L'art du documentaire