Photo - L'intégrale

Episode 1 - 26min : Ils s’appellent Man Ray, Dora Maar, Alvarez Bravo, Brassaï, André Kertesz, Henri Cartier-Bresson. Ils comptent parmi les plus grands noms de la photographie du XXe siècle. Aucun d’eux ne fait partie du groupe surréaliste. Mais, dans les années 1930, leurs images incarnent ce que le surréalisme a de plus intense, de plus vivant… Episode 2 - 26min : La nouvelle photographie objective allemande - Nés dans l'Allemagne des années trente, Bernd Becher et sa femme Hilla s'emploient à faire l’inventaire photographique de bâtiments industriels promis à disparaître, châteaux d’eau, silos, hauts fourneaux... Trente ans plus tard à New York, Andréas Gursky, un de leurs élèves, vend sa photographie 99 cents 600 000 euros. L’histoire de l'"École de Düsseldorf" se joue entre ces deux extrêmes. En trente ans, les Becher et leurs émules, parmi les photographes les plus influents de la fin du XXe siècle, vont radicalement transformer la pratique photographique.Au départ, pourtant, l’entreprise des Becher est tout sauf artistique. Documents "objectifs", quasi scientifiques, leurs images sont réalisées selon un protocole rigoureux et immuable : cadre et temps de pose unique, ciel gris sans nuages, ni ombres, aucune déformation, aucune présence humaine, et surtout pas de subjectivité. Pour les Becher, la photographie était documentaire par nature. Le pacte qui la liait au réel depuis sa naissance était garanti par la technique elle-même. Aujourd'hui, ce n'est plus le cas. La photographie y a gagné en liberté, et y a perdu en innocence.

Episode 3 - 26min : La photographie mise en scène, 1960 à nos jours - L’histoire de la photographie ne cesse d’osciller entre deux pôles. D'un côté, l'exploration du réel auquel elle semble naturellement prédestinée, de l'autre la mise en scène, l'invention, l'imaginaire. Durant la première moitié du XXe siècle, la photographie est majoritairement réaliste. Mais à partir des années 1960, la "photographie mise en scène" revient au premier plan, sous l'influence du cinéma, du théâtre ou de la sculpture. Il ne s’agit plus de saisir un moment de vérité mais de raconter une histoire. Ce documentaire analyse les principaux procédés de ce langage photographique : composition, lumière, découpage en séquences narratives, emploi de figurants, de décors, d’accessoires, travail en studio, performance… Episode 4 - 26min : Les primifs de la photographie (1850 - 1860) - Au milieu du XIXe siècle, vingt-cinq ans après son invention, la photographie apparaît comme une curiosité scientifique. Mais entre 1850 et 1860, une dizaine de personnalités, en France et en Angleterre, vont se battre pour faire admettre que la photographie est un art.Parmi elles, Nadar, Le Gray, Baldus, Robison, Rejlander et Fenton furent les premiers à explorer les possibilités de la création photographique et ses rapports avec le réel. Cet épisode nous fait découvrir de façon ludique les "secrets de fabrication" de ces pionniers qui, en quelques années, ont mis au point une grammaire photographique complexe. Des techniques d’animation permettent d’interroger les photographies elles-mêmes. En "réveillant" ainsi des images fixes, le film montre les choix et les hasards qui les régissent et les éléments dont elles tirent leur force. Le spectateur découvre ainsi le travail sur le cadre et la lumière, les procédés de photomontage et cette partie complexe qui se joue entre la photographie, l’imaginaire et le réel.

Episode 1 - 26min : Les usages de la presse - Cartier-Bresson, Brassaï, Capa, Lange, Weegee, Smith, Avedon, Koudelka sont parmi les figures les plus célèbres de la photographie du XXe siècle. L'œuvre de ces photographes s'est construite des années 30 jusque dans les années 50, par et pour la presse illustrée. Grâce à elle leurs images ont connu une diffusion sans précédent. Episode 2 - 26min : Les inventeurs - Comment produire une image du réel quand on ne sait ni dessiner ni peindre ? Ce rêve va prendre de multiples directions avant d’aboutir à une invention qui permet de saisir une image exacte de ce qui nous entoure, par le seul effet de la lumière. Menés entre 1820 et 1840, les travaux de Niépce, Talbot, Bayard et Daguerre vont révolutionner notre rapport au réel.

Episode 3 - 26min : Nouvelle vision, la photographie expérimentale des années 20 - Le "nouveau photographe" dont l’avènement est annoncé par un critique des années 1920 est un phénomène typiquement européen. C’est un cousin de l'"homme nouveau" que l’Europe espère voir naître des ruines de l’ancien monde au lendemain de la Première Guerre mondiale. Cette avant-garde photographique, souvent engagée à l’extrême gauche, est incarnée par Moholy-Nagy, Umbo, El Lissitzky et Rodtchenko. Comme le Constructivisme et le Bauhaus dont elle est proche, elle est en rupture avec les canons de la "bonne photographie" des photographes professionnels. Elle est intimement liée à la culture urbaine dont elle est issue : plongées, contre-plongées, déséquilibres volontaires dans la composition de l’image, prises de vue inhabituelles, déformations et autres trouvailles exaltent avant tout le dynamisme et la modernité des machines et des villes. Passionnée par la technique et la science, elle rejette radicalement les recettes de l’ancienne photographie d'art. "Désormais, écrit Moholy-Nagy qui enseigne au Bauhaus, ce sont les propres lois de la photographie et non l’opinion des critiques d’art qui constituent le seul critère de sa valeur dans l’avenir." Expérimentale, elle s'intéresse aux images sans appareil (photogrammes), aux photomontages, aux collages, aux surimpressions. Tous les moyens sont bons pour régénérer, par la photographie, le regard humain, pour "éduquer l’œil par l’optique mécanique". Comme l'écrit le russe Rodchenko en 1934 : "La photographie a tous les droits et tous les mérites nécessaires pour être l’art de notre temps". Mais cette utopie expérimentale ne résistera pas à la grande crise des années 1930 et à la montée des totalitarismes qui imposeront, tant en Allemagne qu'en URSS, le retour de la "bonne photographie", du réalisme et de l'académisme. Episode 4 - 25min : La photographie pictorialiste - Cinquante ans après son invention, la photographie cherche à nouveau à rivaliser avec la peinture. Le débat est aussi vieux que la photographie elle-même : la photographie n’est-elle qu’une simple "imitation" mécanique du réel ou bien est-elle capable de l’interpréter de façon subjective comme le dessin ou la peinture ? Tournant le dos à la confrontation avec le réel, le mouvement pictorialiste veut pratiquer une photographie débarrassée de sa tare originelle – sa précision objective et mécanique – pour retrouver la subjectivité et le "flou" (la fameuse expression "flou artistique" vient de là) du dessin et de la peinture.Contemporain du symbolisme, le pictorialisme partage son refus du monde moderne. Sa préférence va aux thèmes passéistes ou intemporels : sujets historiques, mythologiques, religieux, paysages, nus académiques. Réactionnaire par ses thèmes et son esthétique, le pictorialisme saura se montrer d'une grande audace formelle, en développant des procédés (flous, objectifs spéciaux, effets de tirage, interventions dessinées, gravées ou peintes sur les tirages) que ne renieraient pas les plus postmodernes des photographes d’aujourd’hui. C'est "une avant-garde à rebours" dont les grands maîtres – Robert Demachy, Alvin Langdon Coburn, Frank Eugene, Edward Steichen, Alfred Stieglitz – déploient leur formidable créativité pour que la photographie n’ait pas l’air d’être elle-même et qui, pendant une vingtaine d'années, occupera le devant de la scène en Europe et aux États-Unis.

Episode 1 - 26min : Les appropriationnistes - La photographie a donnée naissance à une nouvelle mémoire visuelle, faite de milliards d'images. Des photographes vont s’en emparer et faire de la collecte et du détournement de photos le sujet de leur propre travail. Dans les années 1980, on appellera cela "l’appropriation art". Episode 2 - 26min : La photographie de l'intime - Dès les années 1960, des photographes cherchent à échapper à la vocation "objective" de leur médium. Ainsi, avec Peter Bird, puis Nobuyoshi Araki, Nan Goldin et Antoine d'Agata, qui pousseront la photographie de l'intime à la limite du voyeurisme et de la transgression, l’appareil devient carnet de notes du quotidien, outil d’introspection, journal intime. Une dimension autobiographique présente dès le début du siècle, avec le travail de Jacques-Henri Lartigue, qui captait les moments familiers de sa propre vie.

Episode 3 - 26min : La photographie conceptuelle - A partir de 1960, de jeunes artistes redécouvrent la photographie. S’appuyant sur son apparente objectivité, sa facilité d’emploi et sa popularité, ils s’en servent pour contester l’élitisme formel des générations précédentes, et nier les notions mêmes d’artiste et d’œuvre d’art. Episode 4 - 26min : Après la photographie - La photographie survivra-t-elle au XXIe ? La disparition de l’argentique et les possibilités illimitées du numérique ont bouleversé son rapport au réel. Face à cette nouvelle donne des photographes expérimentent les dernières technologies, tandis que d’autres s’en affranchissent avec une alter-photographie délibérément « Low Tech ».