Episode 1 - 13min : Alain Fleischer - Alain Fleischer exprime son goût pour les dédoublements et les expérimentations multiples dans son œuvre photographique aux dispositifs très élaborés. Alain Fleischer est né à Paris en 1944. Personnalité complexe, il a suivi des études de lettres modernes, de linguistique, de sémiologie et d'anthropologie, et partage sa vie entre Rome, Paris et Tourcoing. Il mène de front des pratiques de photographe, de plasticien, de cinéaste, d'écrivain et d'enseignant. Son goût pour les dédoublements et expérimentations multiples se retrouve dans son oeuvre photographique, où des dispositifs très élaborés mettent en scène jeux de miroirs, illusions et simulacres divers. Il aime entremêler les codes: ludique, érotique, artistique et faire jouer simultanément plusieurs paramètres comme le mouvement et la lumière. Episode 2 - 13min : Christian Boltanski - Christian Boltanski est né à Paris en 1944 . Autour des thèmes de l’identité, de la mémoire, de l’absence et de la mort, il a créé dans le champ de l’art contemporain une œuvre inclassable où les dispositifs formels ne se dissocient jamais de l’émotion qu’elle soulève.Paradoxalement, bien que Christian Boltanski soit précisément tout le contraire de ce qu’on appelle conventionnellement “ un bon photographe ”, la photographie occupe dans son travail une place centrale. Par l’utilisation qu’il en fait, il restitue aux images leurs sens le plus troublant et le plus intense."Très étrangement, on se souvient plus d'un visage photographié que d'un visage réel. Donc ça m'intéresse toujours d'imaginer quelle sera l'image qui restera. Même si l'image photographique finit par remplacer le visage, chacun est irremplaçable. Remplacé, mais pas remplaçable...Quelqu'un a dit : on meurt deux fois. On meurt quand on meurt et on meurt une deuxième fois quand on trouve votre photo et que plus personne ne sait de qui il s'agit..."

Episode 3 - 13min : Hilla et Bernd Becher - Un voyage dans les paysages industriels d'après-guerre et la nouvelle photographie objective. Depuis 1958 Bernd et Hilla Becher photographient ensemble la beauté et la fragilité des bâtiments industriels. Pendant les années 60 et 70 ils ont dressé un inventaire typologique des architectures industrielles comme les hauts-fourneaux, les châteaux d'eau ou les fours à chaux." Nous étions persuadés que, d'une manière très particulière, ces constructions étaient des témoins de leur époque, que cette architecture était complètement liée à l'économie, disons à la pensée de l'économie industrielle. Et puis est arrivé le moment où je me suis rendu compte que ces objets allaient disparaître. Et j'ai pensé qu'il s'agissait d'une architecture qui avait la même importance que celle des sites d'extraction calcaire datant du Moyen Age qui, eux, nous transmettent la manière de penser d'autrefois ". (B. Becher) Les photographies de Bernd et Hilla Becher nourrissent une réflexion sur les relations entre fonctionnalité et esthétique ainsi que sur l'irréversibilité du temps. Bernd et Hilla Becher occupent dans la photographie contemporaine une place centrale : ils sont les initiateurs du courant de la nouvelle objectivité où s'inscrit notamment toute une génération de jeunes artistes allemands. Episode 4 - 13min : John Baldessari - Etudiant au San Diego State College de 1949 à 1957, John Baldessari réalise des tableaux tentant d'établir une relation entre peinture et langage.John Baldessari est né en Californie en 1931. D’abord peintre puis artiste conceptuel, il s’est emparé de la photographie pour en faire un outil de déconstruction des conventions esthétiques mais aussi l’élaboration de nouvelles formes de langage visuel. Utilisant principalement des photographies récupérées qu’il remodèle et recompose sous formes de séquences narratives, son travail consiste à explorer et à révéler les territoires imaginaires qui échappent au carcan des normes.

Episode 5 - 13min : Georges Rousse - Dès 1980, il photographie des lieux abandonnés, voués à la démolition et peuplés de figures humaines qu'il peint lui-même. Quelle que soit son intervention dans ces espaces, seule la photographie a valeur d'oeuvre achevée. A partir de 1984, Georges Rousse se tourne vers l'abstraction, excluant peu à peu les représentations figuratives au profit de celles de volumes géométriques. L'artiste travaille en illusionniste, tirant parti des ouvertures, portes et fenêtres, lieux de passage, ceux-ci offrant des profondeurs de champ permettant de plus larges perspectives. La qualité des tirages cibachromes, leur grand format, le fait que l'artiste obtienne par des moyens très simples une force visuelle d'une rare intensité, tout cela confère à son oeuvre une place tout à fait singulière et pertinente dans un art aux confins de la photographie, de la peinture et de l'installation. Episode 6 - 13min : Martin Parr - Caractérisée par l'humour, l'ironie et la dérision, son oeuvre s'inscrit dans le courant de la photographie documentaire. Martin Parr photographie le quotidien : “ je suis fasciné par le quotidien ordinaire ”. Il s’agit donc de scènes “idiotes“, sans aucun autre sens que ce qui se passe à ce moment. Souvent les photographies de Parr ont poussé à la polémique, entre supercherie, moquerie ou génie. Il y a en tout cas un humour typiquement anglais, froid et grinçant, que Parr diffuse avec aisance. Il repère les contradictions, les faiblesses, les ridicules, la bassesse des situations qu’il photographie.

Episode 7 - 13min : Thomas Struth - Struth a commencé à étudier la peinture à l'Académie de Düsseldorf avec Klaus Rinke puis, à partir de 1976, la photographie avec Bernd Becher. En 1978, il commence à photographier les espaces de la vie citadine dans différentes villes de l'Amérique du Nord, de l'Europe de l'Ouest et du Japon. Ces photographies de grand format, sans présence humaine, ont l'apparence d'une grande clarté documentaire, mais leur structure chaotique révèle les relations entre espace urbain, groupe social et représentation de l'inconscient. Struth s'est aussi attaché à réaliser des portraits familiaux, des études de fleurs ainsi qu'une série sur les musées qui manifeste le rapport entre espace photographique et héritage de l'espace pictural. Episode 8 - 13min : Wolfgang Tillmans - Né en 1968, en Allemagne, Wolfgang Tillmans vit et travaille à Londres. Dès la fin des années 80, il s'est rendu célèbre en abordant les thèmes liés aux modes de vie des jeunes gens de sa génération : la sexualité, la remise en question des normes sociales, la déferlante de phénomènes musicaux comme l'Acid House, les grands mouvements de fusion collective comme la Love Parade de Berlin ou l'European Gay Pride de Londres. Très vite, au rythme d'une productivité sidérante, Wolfgang Tillmans investit tous les sujets traditionnels de la photographie pour en renouveler l'approche et la perception : le portrait, le paysage, l'abstraction, la nature morte,... Un dénominateur commun caractérise alors son travail : contourner les conventions, non pour répondre à un désir d'opposition mais pour discerner le chemin qui permet de passer de l'autre côté du miroir. Tillmans est l'inventeur d'un système esthétique d'une cohérence exemplaire : son oeuvre est composée de différences formelles qui participent toutes d'une même force révélatrice, la projection de son monde intérieur. Un monde où se lit la grâce et la fragilité immatérielle des êtres et des choses, car "au coeur de tout cela, il y a la lumière, juste la lumière, pure et abstraite..." Episode 9 - 13min : John Hilliard - La profondeur des images et la thématique de la violence dans ses plus subtiles déclinaisons caractérisent l'œuvre du photographe anglais John Hilliard. Né au Royaume-Uni en 1945, John Hilliard a conquis une notoriété internationale depuis les années 60 en positionnant son travail photographique dans un champ d'investigation radicalement novateur: mêlant le style figuratif à l'abstraction, soumettant l'imaginaire au bouleversement des conventions qui enserrent la mise en image. L'oeuvre de John Hilliard interroge la complexité du principe de représentation qui est le fondement de toute image: la lecture en profondeur d'une figure photographique ou d'un tableau est étroitement liée à la lecture de sa surface plane. John Hilliard résume ainsi son point de vue : "L'image et le spectateur sont successivement assaillant et victime, poursuivant et poursuivi, bondissant au dedans et au dehors de la photographie, se percutant parfois de plein fouet et provoquant alors une oblitération dans le plan de l'image, le lieu d'un support opaque qui tranche vigoureusement dans ce jeu optique de va et vient, le réduisant au silence d'un blanc éblouissant".